Живопись, скульптура и музыка: искусство в интерьере

Что такое барокко: стиль, в интерьере, музыка, эпоха, в живописи, мебель, картины, гостиная, дизайн, фото

В переводе с итальянского языка, barocco — «странный, удивительный, причудливый». Стиль барокко зародился в период становления монархического строя правления в Италии. Он получил широкое применение в области изобразительного искусства, скульптуры, музыки и архитектуры. Его призванием стало прославление могущества церкви и аристократического общества того времени. Барокко смог выразить новое представление о безграничности и многообразии окружающего мира, его единстве и драматичной изменчивости, пробудил интерес к стихиям природы.

История возникновения

Именно в Италии на смену Высокого Возрождения возник барочный стиль (16-й век). Не смотря на тяжелое политическое положение страны, где господствовали иностранцы (испанцы и французы), Италия продолжает оставаться культурным центром Европы. В этот период итальянцы не могли позволить себе выстраивать новые шикарные замки (романские или готические, как он назывался ранее, по стилю) .

Появление барокко позволило создавать иллюзию богатства, обходясь без дорогостоящих материалов.

Активное развитие культуры началось по причине недостатка средств. Возведение шикарных палаццо было не по карману знати и представителям церковной власти, но они все же нуждались в подтверждении собственной состоятельности и мощи. Высшие сословия обратились за помощью к искусству – появившееся направление их возвышало и за счет этого набирало все большую популярность.

Витиеватость узоров и массивность дерева в стиле барокко

Черты стиля

Для направления барокко присущи контрастность образов и их динамичность, совмещение иллюзорных форм и реальности, великолепие композиций. В интерьерах и экстерьерах построек применяются скульптурные элементы, рустованные колонны, волюты и раскреповки, а также пилястры. Нередко можно было встретить развернутые колоннады значительных масштабов. Стиль барокко от маньеризма унаследовал тенденцию поражать воображение. Это можно наблюдать в сложных купольных формах, выполненных в виде многоярусных конструкций. К отличительным чертам также относится использование кариатид, атлантов и маскарон.

Тенденции вычурности и напыщенного богатства также можно проследить еще в стиле Викторианской эпохи.

Кариатиды, атланты и маскароны

Интерьер

В моду барочного интерьера широко входят необычные композиции ассиметричных рисунков декора, изображения вогнутых и выпуклых форм. Четко выражены вертикальные линии колон и членений горизонтального типа, что присуще еще и колониальному стилю.

Стиль барокко идеально сочетается с интерьером помещений значительного размера — многообразные украшения и мебельные гарнитуры занимают невероятно большое пространство комнаты.

На фото представлен один из ярчайших примеров интерьера в направлении барокко.

Интерьер в стиле барокко

Мебель

Мебель в стиле барокко — уникальное произведение искусства, поэтому она использовалась чаще всего для создания интерьерной композиции помещения. Мягкие гарнитуры (диваны, кресла с деревянными ножками, стулья) обивались дорогостоящими материалами насыщенных оттенков. Гигантские шкафы из дерева украшались резными гравировками и однотонными рисунками. Очень популярны были громадные кровати с нарядными навесами, с которых струились вниз красочные покрывала. Гостиным помещениям во времена барокко уделялось особое внимание – в шикарных залах принимали гостей и устраивали балы.

Мебель в стиле барокко

Оформление стен

В интерьере барокко использовалась настенная роспись. Высокие мраморные стены были покрыты крупными многоцветными изображениями, дополненными обильной позолотой и фресками на потолках. А картины невероятных размеров и обрамленные богатыми рамами (с позолотой или лепниной), довершали общую композицию невероятного великолепия.

Изображения на стенах в стиле барокко описывали сцены из мифологических сказаний.

Классическое представление барокко в современном интерьере

Оформление полов

Мраморный пол служил гармоничным контрастом общему интерьеру гигантских залов. Он оформлялся в виде плиток, расположенных в шахматном порядке. Цветовая палитра не отличалась особенным разнообразием – использовались однотонные цвета. На фото выше можно и просмотреть, как оформлялись полы в стиле барокко.

Живопись

К характерным особенностям становления живописи в барочный период относятся:

• Броская цветовая палитра.
• Динамичность композиции.
• Пышность «плоских» форм.

Яркие примеры картин эпохи барокко можно наблюдать в творчестве Рубенса («Распятие», «Страшный суд», «Битва греков с амазонками») и Караваджо («Больной Вакх», «Отдых на пути в Египет», «Призвание апостола Матфея»).

«Страшный суд», Рубенс

Архитектура

Отличительными чертами архитектуры барокко стали текучесть криволинейных и сложных форм, а также невероятный размах стилистического пространства. Изобилие скульптурных творений декорируют фасады здания церквей и соборов.

Во многих странах стиль барокко в архитектуре получает огромную популярность. Только во Франции он был не настолько выражен – к барочным памятникам даже употребляется термин «классицизм».

Классицизм – это направление в искусстве (17-19 вв). Характеризуется возвращением к античному искусству и культуре, которая считалась идеальным образцом.

Неоценимый вклад в области архитектуры внесли:

• Донато Браманте – основоположник барочного зодчества.
• Джакомо Делла Порта, Карло Мадерна и Доменико Фонтана — архитекторы раннего периода барокко.
• Франческо Брромини – представитель радикального зодчества.
• Сантино Солари – создал первый барочный собор в Зальцбурге.

Скульптура

Органически присущей частью искусства барокко являлась скульптура. Самым знаменитым скульптором 17-го столетия был признан Лоренцо Бернини. Его наиболее популярные работы на мифологическую тематику:

• Плутон (бог подземного царства), похищающий Прозерпину.
• «Экстаз святой Терезы» — алтарная группа, расположенная в одном из храмов Рима.
• Аполлон (бог света), преследующий нимфу Дафну, которая чудесным образом превращается в дерево.

На фото изображена скульптура в стиле барокко, выполненная из дерева. Именно этот материал преобладал при создании скульптур, а для большей реалистичности с хрустальной срезкой и стеклянными глазами.

Эпоха барокко развивается во времена правления Людовика XIV (2-я половина 17-го века), когда при дворе царил безукоризненный этикет. Законодателем модных тенденций в Европе была Франция, и другие страны строго следовали французским направлениям в моде.

Для европейских нарядов характерна невероятная пышность, дополненная многочисленными украшениями.

Модные веяния барокко

Платья прекрасных дам видоизменились – в отличие от эпохи Раннего Ренессанса они были на китовом усе. Наряд книзу юбки плавно расширялся, а сзади платья прикреплялся шлейф. Глубокий вырез декольте открывал плечи, а вошедшие в моду высокие прически покрывались косынками и чепчиками из тонкой ткани.

Мужчины носили длинные кафтаны, украшенные кружевами и красочными бантами. Высокие ботфорты носили исключительно во время военных походов или в полях. В гражданской же обстановке представители сильного пола носили туфли. Обувь украшалась аграфами (пряжки), но со временем более популярными стали банты.

Головы кавалеров покрываются элегантными париками, распускающимися кудрявыми локонами по плечам и торчащими вверх. Как женщины, так и их кавалеры стали использовать косметику в непомерном количестве. Лица и парики тщательно напудривались. Кроме того, появились мушки – они придавали яркий контраст невероятной белизне кожи.

Пример нарядов времени барокко можно наблюдать на фото.

Искусство

В самом конце эпохи ренессанса появляется музыка барокко, которая становится предшественником культуры классицизма. Наблюдается противопоставление инструментов и голосов, солистов и хора, а также сочетание форм значительных масштабов. Возникают инструментальные жанры, а ведущее положение занимают опера, жанры кантаты и оратории.

Известные музыканты и композиторы:

• Ч. Бернелли, Г. Рейтер, И.И. Фукс, Д. Фантини, У.Г. Руэ, И.Г. Вюлькен – знаменитые трубачи.
• И.С. Бах, Ф. Джеминиани, Жан-Батист, А. Вивальли, С. Шейд – известные композиторы.

Человек

Люди эпохи барокко считали естественным поведением проявление бесцеремонности, дикого невежества и даже самодурства. Женщины придерживаются безукоризненной белизны кожи и очень дорожат ею. Они украшают свои головы замысловатыми прическами и появляются в высшем обществе в элегантных туфельках на невысоких каблучках.

Олицетворением мужского идеала становится «джентельмен» — образ спокойной, мягкого, уравновешенного мужчины. Усы и бороды теперь сбривают, напудривают парики, пользуются парфюмом. Споры между представителями сильного пола проявляются в дуэлях.

Именно во время барокко начинают появляться элегантные салфетки и вилки, что относится к изысканности столового этикета.

Бог представляется людям не как спаситель человеческих душ, а как Величайший Архитектор, сотворивший мир подобно часовому механизму.

В столицах европейских государств открываются научные сообщества и многочисленные Академии наук. Исаак Ньютон в 1689 году создает труд под названием «Математические начала натуральной философии», а также открывает «Закон всемирного тяготения». Карл Линнец публикует в 1735-м году известную работу по систематизации биологии «Система природы». Галилей доказывает предположение о том, что Земля вращается вокруг Солнца. Начинается период открытия новых земель и парусники невероятных размеров путешествуют по просторам мировых океанов.

Символы литературы: искатели удивительных приключений и предприимчивые путешественники (Барон Мюнхаузен, Робинзон Крузо, Гулливер). Нормой в художественной лексике считаются иносказания.

Иллюстрация «Путешествия Гулливера»

Виды обоев для стен: как их правильно подобрать и как правильно поклеить.

Какими бывают современные серванты для гостиной читайте в этой статье.

Состав ламината: http://trendsdesign.ru/materialy/napolnye-pokrytiya/laminat/laminat-sostav-osnovnye-osobennosti-pokrytiya.html

Краткий видео-обзор на стиль Барокко

Выводы

Век барокко возник в 16-м столетии и приобрел широчайшую популярность на территории Западной и Восточной Европы. Этот период развития культуры и искусства принято считать предвестником победоносного шествия «цивилизации Запада». Производной стиля барокко считается рококо — более спокойный и утонченный стиль в интерьере на фоне своего предшественника. Так же читайте об архитектуре Ампир.

Скульптура, живопись и музыка (Гоголь)

← Предисловие

Скульптура, живопись и музыка автор Николай Васильевич Гоголь (1809—1852)

О средних веках →

Из сборника « Арабески ». Опубл.: 1835 [1] . Источник: Гоголь Н. В. Полное собрание сочинений в 14 томах. — М.—Л.: Издательство АН СССР, 1952. — Т. 8. Статьи. — С. 9—13. .

Благодарность зиждителю мириад за благость и сострадание к людям! Три чудные сестры посланы им украсить и усладить мир: без них он бы был пустыня и без пения катился бы по своему пути. Дружнее, союзнее сдвинем наши желания и — первый кубок за здравие скульптуры! Чувственная, прекрасная, она прежде всего посетила землю. Она — мгновенное явление. Она — оставшийся след того народа, который весь заключился в ней, со всем своим духом и жизнию. Она — ясный призрак того светлого, греческого мира, который ушел от нас в глубокое удаление веков, скрылся уже туманом и до которого достигает одна только мысль поэта. Мир, увитый виноградными гроздиями и масличными лозами, гармоническим вымыслом и роскошным язычеством; мир, несущийся в стройной пляске, при звуке тимпанов, в порыве вакхических движений, где чувство красоты проникло всюду: в хижину бедняка, под ветви платана, под мрамор колонн, на площадь, кипящую живым, своенравным народом, в рельеф, украшающий чашу пиршества, изображающий всю вьющуюся вереницу грациозной мифологии, где из пены волн стыдливо выходит богиня красоты, тритоны несутся, ударяя в ладони, Посейдон выходит из глубины своей прекрасной стихии серебряный и белый; мир, где вся религия заключилась в красоте, в красоте человеческой, в богоподобной красоте женщины, — этот мир весь остался в ней, в этой нежной скульптуре; ничто кроме ее не могло так живо выразить его светлое существование. Белая, млечная, дышащая в прозрачном мраморе красотой, негой и сладострастием, она сохранила одну идею, одну мысль: красоту, гордую красоту человека. В каком бы ни было пылу страсти, в каком бы ни было сильном порыве, но всегда в ней человек является прекрасным, гордым и невольно остановит атлетическим, свободным своим положением. Всё в ней слилось в красоту и чувственность: с ее страдающими группами не сливаешь страдающий вопль сердца, но, можно сказать, наслаждаешься самым их страданием; так чувство красоты пластической, спокойной пересиливает в ней стремление духа! Она никогда не выражала долгого глубокого чувства, она создавала только быстрые движения: свирепый гнев, мгновенный вопль страдания, ужас, испуг при внезапности, слезы, гордость и презрение и наконец красоту, погруженную саму в себя. Она обращает все чувства зрителя в одно наслаждение, в наслаждение спокойное, ведущее за собою негу и самодовольство языческого мира. В ней нет тех тайных, беспредельных чувств, которые влекут за собою бесконечные мечтания. В ней не прочитаешь всей долгой, исполненной потрясений и переворотов жизни. Она прекрасна, мгновенна, как красавица, глянувшая в зеркало, усмехнувшаяся, видя свое изображение, и уже бегущая, влача с торжеством за собою толпу гордых юношей. Она очаровательна, как жизнь, как мир, как чувственная красота, которой она служит алтарем. Она родилась вместе с языческим, ясно образовавшимся миром, выразила его — и умерла вместе с ним. Напрасно хотели изобразить ею высокие явления христианства, она так же отделялась от него, как самая языческая вера. Никогда возвышенные, стремительные мысли не могли улечься на ее мраморной сладострастной наружности. Они поглощались в ней чувственностью.

Не таковы две сестры ее, живопись и музыка, которых христианство воздвигнуло из ничтожества и превратило в исполинское. Его порывом они развились и исторгнулись из границ чувственного мира. Мне жаль моей мраморно-облачной скульптуры! Но… светлее сияй, покал мой, в моей смиренной келье, и да здравствует живопись! Возвышенная, прекрасная, как осень в богатом своем убранстве мелькающая сквозь переплет окна, увитого виноградом, смиренная и обширная, как вселенная, яркая музыка очей — ты прекрасна! Никогда скульптура не смела выразить твоих небесных откровений. Никогда не были разлиты по ней те тонкие, те таинственно-земные черты, вглядываясь в которые, слышишь, как наполняет душу небо, и чувствуешь невыразимое. Вот мелькают, как в облачном тумане, длинные галереи, где из старинных позолоченных рам выказываешь ты себя живую и темную от неумолимого времени, и перед тобою стоит, сложивши накрест руки, безмолвный зритель; и уже нет в его лице наслаждения, взор его дышит наслаждением не здешним. Ты не была выражением жизни какой-нибудь нации; нет, ты была выше: ты была выражением всего того, что имеет таинственно-высокий мир христианский. Взгляните на нее, задумчивую, опустившую на руку прекрасную свою голову: как вдохновенен и долог ясный взор ее! Она не схватывает одного только быстрого мгновения, какое выражает мрамор; она длит это мгновение, она продолжает жизнь за границы чувственного, она похищает явления из другого безграничного мира, для названия которых нет слов. Всё неопределенное, что не в силах выразить мрамор, рассекаемый могучим молотом скульптора, определяется вдохновенною ее кистью. Она также выражает страсти, понятные всякому, но чувственность уже не так властвует в них; духовное невольно проникает всё. Страдание выражается живее и вызывает сострадание, и вся она требует сочувствия, а не наслаждения. Она берет уже не одного человека, ее границы шире: она заключает в себе весь мир; все прекрасные явления, окружающие человека, в ее власти; вся тайная гармония и связь человека с природою — в ней одной. Она соединяет чувственное с духовным.

Но сильнее шипи, третий покал мой! Ярче сверкай и брызгай по золотым краям его, звонкая пена, — ты сверкаешь в честь музыки. Она восторженнее, она стремительнее обеих сестер своих. Она вся — порыв; она вдруг за одним разом отрывает человека от земли его, оглушает его громом могущих звуков и разом погружает его в свой мир. Она властительно ударяет, как по клавишам, по его нервам, по всему его существованию и обращает его в один трепет. Он уже не наслаждается, он не сострадает, он сам превращается в страдание; душа его не созерцает непостижимого явления, но сама живет, живет своею жизнию, живет порывно, сокрушительно, мятежно. Невидимая, сладкогласная она проникла весь мир, разлилась и дышит в тысяче разных образов. Она томительна и мятежна; но могущественней и восторженней под бесконечными, темными сводами катедраля, где тысячи поверженных на колени молельщиков стремит она в одно согласное движение, обнажает до глубины сердечные их помышления, кружит и несется с ними горе, оставляя после себя долгое безмолвие и долго исчезающий звук, трепещущий в углублении остроконечной башни.

Как сравнить вас между собою, три прекрасные царицы мира? Чувственная, пленительная скульптура внушает наслаждение, живопись — тихой восторг и мечтание, музыка — страсть и смятение души; рассматривая мраморное произведение скульптуры, дух невольно погружается в упоение; рассматривая произведение живописи, он превращается в созерцание; слыша музыку, — в болезненный вопль, как бы душою овладело только одно желание вырваться из тела. Она — наша! она — принадлежность нового мира! Она осталась нам, когда оставили нас и скульптура, и живопись, и зодчество. Никогда не жаждали мы так порывов, воздвигающих дух, как в нынешнее время, когда наступает на нас и давит вся дробь прихотей и наслаждений, над выдумками которых ломает голову наш XIX век. Всё составляет заговор против нас; вся эта соблазнительная цепь утонченных изобретений роскоши сильнее и сильнее порывается заглушить и усыпить наши чувства. Мы жаждем спасти нашу бедную душу, убежать от этих страшных обольстителей и — бросились в музыку. О, будь же нашим хранителем, спасителем, музыка! Не оставляй нас! буди чаше наши меркантильные души! ударяй резче своими звуками по дремлющим нашим чувствам! Волнуй, разрывай их и гони, хотя на мгновение, этот холодно-ужасный эгоизм, силящийся овладеть нашим миром. Пусть, при могущественном ударе смычка твоего, смятенная душа грабителя почувствует, хотя на миг, угрызение совести, спекулятор растеряет свои расчеты, бесстыдство и наглость невольно выронит слезу пред созданием таланта. О, не оставляй нас, божество наше! Великий зиждитель мира поверг нас в немеющее безмолвие своею глубокою мудростью: дикому, еще не развернувшемуся человеку он уже вдвинул мысль о зодчестве. Простыми, без помощи механизма, силами он ворочает гранитную гору, высоким обрывом громоздит ее к небу и повергается ниц перед безобразным ее величием. Древнему, ясному, чувственному миру послал он прекрасную скульптуру, принесшую чистую, стыдливую красоту — и весь древний мир обратился в фимиам красоте. Эстетическое чувство красоты слило его в одну гармонию и удержало от грубых наслаждений. Векам неспокойным и темным, где часто сила и неправда торжествовали, где демон суеверия и нетерпимости изгонял всё радужное в жизни, дал он вдохновенную живопись, показавшую миру неземные явления, небесные наслаждения угодников. Но в наш юный и дряхлый век ниспослал он могущественную музыку, стремительно обращать нас к нему. Но если и музыка нас оставит, что будет тогда с нашим миром?

Как подобрать произведения искусства в интерьер

При выборе декора нельзя руководствоваться принципом «а сейчас мы просто украсим стены». Вокруг произведения искусства, будь то картина, скульптура, инсталляция или арт-объект, выстраивается концепция интерьера. Законченный и проработанный проект по дизайну квартиры не будет «живым», если он лишен такой «изюминки». Сегодня мы расскажем, как найти своё произведение искусства.

Трудности выбора

Выбирая картину, важно учитывать принципы интерьерного дизайна: стиль, планировка, колористка, и освещение.

Для создания гармоничного интерьера важно подбирать полотна соответствующей стилистики, чтобы не возникало диссонанса с общей атмосферой квартиры. Если ваш дом сконструирован по принципам металлического хай-тек стиля, то вряд ли ему будет к лицу произведение эпохи Ренессанс. Интерьер может быть минималистическим, тогда картина или фотография придадут характер.

Дизайн интерьера квартиры: с чего начать?

С чего самостоятельно начать дизайн-интерьера квартиры

Впрочем, у всего есть свои исключения из правила. В нашем случае это стили, в основе которых лежит смешение эстетик, — фьюжн, эклектика, китч. В таком интерьере картина или скульптура занимает не центральное место, а является одной из добавочных деталей. Принцип избыточности стиля китч — лишь приём создания нужной атмосферы. Но такие специфические интерьеры на любителя.

Внести изюминку или создать галерею

Очень важно определиться с местом размещения произведения искусства в интерьере. Одна крупная картина становится центром интерьерной композиции, она должна занимать не менее 15 процентов от пространства стены, чтобы восприятие было гармоничным.

Антитренды в дизайне интерьера: что вышло из моды

Какие решения пополнили список антитрендов дизайна интерьера в 2018 году

Если у вас две различные по размеру картины, которые необходимо разместить на одной стене, то здесь стоит руководствоваться принципом схожести или цветов, или стилей, или техники исполнения. Создать картинную галерею — дизайнерский приём, который точно облагородит интерьер. Главное — не переборщить.

Для просторного помещения с высокими потолками и большими окнами лучше выбрать габаритное полотно. Для небольших помещений подойдет средних размеров горизонтальное изображение или несколько небольших работ.

Палитра художника

Традиционные цветовые пропорции гармоничного интерьера 60/30/10.

• 60 процентов цвета в интерьере — это фон, оттенок стен.
• 30 процентов занимает добавочный цвет — текстиль и меблировка.
• 10 процентов отходят декору. Картина — настенный декор,
именно от неё и стоит отталкиваться при выборе тех самых 10 процентов.

Именно поэтому история «оставлю эту стену пустой, потом подберу что-нибудь» — неграмотный подход к дизайну. Выбор акцента стоит планировать на этапе разработки проекта.

Острый сюжет

Конечно, выбор сюжета картины — личное дело каждого. Однако дизайнеры интерьера предостерегают от покупки портрета с неприятным лицом или слишком кислотного пейзажа. Картины, имеющие сильное психологическое воздействие, могут со временем стать настоящей проблемой. Советуют отдавать предпочтение спокойным, созидательным сюжетам или абстракциям.

3 универсальных способа перестраховаться от модных ошибок в интерьере

Хорошо, когда ошибку можно исправить, ещё лучше — её предупредить. Расскажем, как перестраховаться от модных промахов в интерьере на этапе планирования ремонта.

Произведение должно соответствовать настроению и функциональной нагрузке комнаты. На кухне уместен натюрморт, в гостиной, например, абстрактная живопись, в спальне — картина, передающая атмосферу спокойствия и умиротворения. Конечно, эти советы не буквальны, восприятие искусства — индивидуально у каждого зрителя.

В лучах софитов

Если произведение искусства занимает центральное место в интерьерной композиции, оно заслуживает особого внимания. Точечная искусственная подсветка подчеркнёт статус картины.

Стоит заранее позаботиться о защите картины от выгорания и выцветания. Особенно если она дорогостоящая и представляет высокую художественную ценность.

Где купить картину

При выборе картины следует примерять ее к будущему интерьеру. Ориентироваться только на художественную ценность или стоимость неправильно. Покупают картины в галереях с громкими именами, на аукционах, на уличных вернисажах или на заказ у художников — все зависит от бюджета и предпочтений. Важно, чтобы возникла эмоциональная связь с произведением, тогда интерьер будет надиктован картиной.

Художественные ценности переезжают с хозяевами из одного дома в другой и являются ключевой интерьерной составляющей.

Искусство или плагиат

Наш совет: отдавайте предпочтение произведениям неизвестных художников, а не репродукциям именитых авторов. «Поцелуй» Густафа Климта или «Рождение Венеры» Боттичелли хоть и являются легендарными полотнами мировой живописи, но в интерьере будут смотреться товаром широкого потребления. Лучше выбрать авторскую работу: картину на холсте, стеклянное панно, фрагмент стрит-арта или фотографию — самобытные, неповторимые произведения, а не широко растиражированную подделку.

Если вы расположены к приобретению дорогостоящей и статусной работы, рекомендуем обратиться к арт-консультантам. В галереях по всему миру предоставлены самые разнообразные предметы современного искусства и антиквариат.

Грамотно подобранное произведение искусства в интерьере обязано создавать гармоничное пространство вокруг себя, вдыхать в него жизненную энергию и наполнять красками.

Живопись, скульптура, музыка

5. Живопись, скульптура, музыка.

а) Древнерусское искусство – живопись, скульптура, музыка – с принятием христианства также пережило ощутимые перемены. Языческая Русь знала все эти виды искусства, но в чисто языческом, народном выражении. Древние резчики по дереву, камнерезы создавали деревянные и каменные скульптуры языческих богов, духов. Живописцы разрисовывали стены языческих капищ, делали эскизы магических масок, которые затем изготовлялись ремесленниками; музыканты, играя на струнных и духовых музыкальных инструментах, увеселяли племенных вождей, развлекали простой народ.

Христианская церковь внесла в эти виды искусства совершенно иное содержание. Церковное искусство подчинено высшей цели – воспеть христианского бога, подвиги апостолов, святых, деятелей церкви. Если в языческом искусстве “плоть” торжествовала над “духом” и утверждалось все земное, олицетворяющее природу, то церковное искусство воспевало победу “духа” над плотью, утверждало высокие подвиги человеческой души ради нравственных принципов христианства. В византийском искусстве, считавшемся в те времена самым совершенным в мире, это нашло выражение в том, что там и живопись, и музыка, и искусство ваяния создавались в основном по церковным канонам, где отсекалось все, что противоречило высшим христианским принципам. Аскетизм и строгость в живописи (иконопись, мозаика, фреска), возвышенность, “божественность” греческих церковных молитв и песнопений, сам храм, становящийся местом молитвенного общения людей, – все это было свойственно византийскому искусству. Если та или иная религиозная, богословская тема была в христианстве раз и навсегда строго установлена, то и ее выражение в искусстве, по мнению византийцев, должно было выражать эту идею лишь раз и навсегда установленным образом; художник становился лишь послушным исполнителем канонов, которые диктовала церковь.

б) С первых же лет византийское церковное искусство на Руси испытало на себе всю мощь русской народной культуры и народных эстетических представлений. Уже в XI в. строгая аскетическая манера византийской иконописи превращалась под кистью русских художников в портреты, близкие к натуре, хотя русские иконы и несли в себе все черты условного иконописного лика. В это время прославился печерский монах-живописец Алимпий, про которого современники говорили, что он “иконы писать хитер бе [был] зело”. “В княжение благоверного князя киевского Всеволода Ярославича, при игумене преподобном Никоне. прибыли для украшения святой Печерской церкви греческие иконописцы; этим-то иконописцам и был отдан блаженный Алипий своими родителями в обучение живописному искусству” (“Житие Алипия Печерского”).

Про Алимпия рассказывали, что иконописание было главным средством его существования. Но заработанное он тратил весьма своеобразно: на одну часть покупал все, что было необходимо для его ремесла, другую отдавал беднякам, а третью жертвовал в Печерский монастырь. Работы кисти Алипия, к сожалению, не сохранились.

Наряду с иконописью развивалась фресковая живопись, мозаика. Фрески Софийского собора в Киеве показывают манеру письма здешних греческих и русских мастеров, их приверженность человеческому теплу, цельности и простоте. На стенах собора мы видим и изображения святых, и семью Ярослава Мудрого, и изображение русских скоморохов, и животных. Прекрасная иконописная, фресковая, мозаичная живопись наполняла и другие храмы Киева. известны своей большой художественной силой мозаики Михайловского Златоверхого монастыря с их изображением апостолов, святых, которые потеряли свою византийскую суровость; лики их стали более мягкими, округлыми.

Все более отходя от византийского наследия и опираясь на местные традиции, усилившиеся вместе с процессом феодального дробления, киевские художники обретали свой собственный стиль. В изображении лиц, одеяний, архитектурных кулис проникают местные черты, отражающие русские типы, русский костюм (фрески “Музыканты и скоморохи”, “Охота на медведя”, фрески придела Иоакима и Анны Софийского собора в Киеве “Благовещенье у колодца”, “Обручение Марии”). Так постепенно закладывались основы для формирования русской школы живописи.

Уже в XII – XIII вв. сложилась новгородская школа живописи. Ее характерными чертами стали ясность идеи, реальность изображения, доступность. От XII в. до нас дошли замечательные творения новгородских живописцев: икона “Ангел Златые власы”, где при всей византийской условности облика Ангела чувствуется трепетная и красивая человеческая душа, и “Устюжское Благовещенье”. Или икона “Спас Нерукотворный” (также XII в.), на которой Христос со своим выразительным изломом бровей предстает грозным, все понимающим судьей человеческого рода. В иконе “Успение Богородицы” в лицах апостолов запечатлена вся скорбь утраты. Достаточно вспомнить, например, знаменитые фрески церкви Спаса на Нередице близ Новгорода (конец XII в.).

Широкое распространение иконописной, фресковой живописи было характерно и для Чернигова, Ростова, Суздаля, позднее Владимира-на-Клязьме, где замечательные фрески, изображающие “Страшный суд”, украшали Дмитриевский собор.

Юрьеву великокняжескому монастырю принадлежало одно из самых ранних произведений новгородской станковой живописи – икона святого Георгия (XII в.). На ней изображен храбрый воин с копьем в правой руке. На нем богато разукрашенное одеяние. От его спокойной, мужественной фигуры веет непоколбимой силой.

В начале XIII в. прославилась ярославская школа иконописи. В монастырях и церквах Ярославля было написано немало превосходных иконописных произведений. Особенно известна среди них так называемая “Ярославская Оранта”, изображавшая Богородицу. Ее прообразом стало мозаичное изображение Богородицы в Софийском соборе в Киеве работы греческих мастеров, запечатлевших суровую властную женщину, простирающую руки над человечеством. Ярославские же искусники сделали облик Богородицы теплее, человечнее. Это прежде всего мать-заступница, несущая людям помощь и сострадание. Византийцы видели Богородицу по-своему, русские живописцы – по-своему.

в) Составной частью искусства Руси явлвлось музыкальное, певческое искусство. В “Слове о полку Игореве” упоминается легендарный сказитель-певец Боян, который “напускал” свои пальцы на живые струны и они “сами князьям славу рокотали” На фресках Софийского собора мы видим изображение музыкантов, играющих на деревянных духовых и струнных инструментах – лютне и гуслях. Из летописных сообщений известен талантливый певец Митус в Галиче. В некоторых церковных сочинениях, направленных против славянского языческого искусства, упоминаются уличные скоморохи, певцы, танцоры; существовал и народный кукольный театр. Известно, что при дворе князя Владимира, при дворах других видных русских властелинов во время пиров присутствующих развлекали певцы, сказители, исполнители на струнных инструментах.

В свадебных, застольных, похоронных песнях отражались многие черты жизни людей того времени. Так, в древних свадебных песнях говорилось и о том времени, когда невест похищали “умыкали” (конечно, с их согласия), в более поздних – когда их выкупали, а в песнях уже христианского времени речь шла о согласии и невесты, и родителей на брак

Неоклассицизм в архитектуре, живописи и музыке (неоклассика)

Древнюю Грецию по праву называют «колыбелью цивилизации». Она подарила миру замечательные памятники искусства и архитектуры. Не удивительно, что эстетика и каноны античности стали основой явления, охватившего большую часть Европы в XVII-XVIII веках, – классицизма. Спустя столетие начинается новый виток развития направления и стиля, получившего своё название, – неоклассицизм.

История возникновения неоклассического стиля

Неоклассицизм – художественное явление, которое понимается на Западе и Востоке по-разному.

Неоклассицизм в России – русское направление

В русской культуре неоклассикой принято называть группу стилистических направлений, господствовавших на рубеже XIX-XX веков. Их объединяет обращение к истокам искусства античности, стиля Ренессанса, классицизма (а в музыке – барокко). В России (и Германии) неоклассицизмом называют ретроспективный стиль начала XX столетия.

Появился неоклассицизм в противовес возникшему в конце XIX века архитектурному стилю модерн, не сумевшему обрести монументальность и завоевать главную стилистическую арену. И уже в самом начале двадцатого столетия грёзы по образцовому прошлому вылились в течения, получившие обобщённое название, – ретроспективные.

Толчком к восхождению неоклассического стиля стал цикл статей художника и критика Александра Бенуа (1900 г.), восхвалявшего неповторимую красоту старого Петербурга. Так внимание общественности было привлечено к уже забытому классицистическому наследию.

Сначала движение охватило Санкт-Петербург, затем Москву, далее проникло и в провинциальные города.

Архитектура Санкт-Петербурга

Однако более глобально стиль выразился в архитектуре северной столицы, поэтому многие считают это явление специфически петербургским. В противовес модерну и другим новомодным стилям неоклассицизм возвратил невский город к своим корням.

Западный неоклассицизм

В западном искусствоведении этот термин используют в архитектуре и живописи по отношению к классицизму, возникшему во второй половине XVIII – первой трети XIX веков. Европейский неоклассицизм (т. е. новый классицизм) включает в себя несколько направлений, начиная от стиля ампира и заканчивая поздним бидермейером.

Не следует путать два понимания термина: западноевропейское и русское.

Французы называют классицизмом стиль XVII века (стиль Людовика XIV), а неоклассицизмом – стиль второй половины XVIII столетия, т.е. стиль Людовика XVI. Для российских и немецких искусствоведов традиционный классицизм – явление XVIII века, а под неоклассицизмом понимается ретроспективизм начала XX столетия. Такое двойственное понимание нового классицизма не раз вводило в заблуждение начинающих специалистов.

Особенности архитектуры

Наиболее ярко неоклассицизм проявился в архитектуре. Во Франции он нашёл отражение большей частью в проектах общественных зданий, которым придавались суровые, тяжеловесные формы. В Англии же в этом стиле строились в основном частные усадьбы и городские дома.

Манера английских архитекторов кардинально отличалась: формы строений, наоборот, были лёгкими и изящными, а интерьер – ярким и декоративным.

Следует упомянуть о значимом в Англии стиле, называемым «стилем Адама», творцом которого считается Роберт Адам (1728-1792). В 1754 году он совершил путешествие в Италию, после чего стал страстным поклонником античности. Стиль Адама был легко узнаваем и отличался своеобразием.

Сторонники русского неоклассицизма исходили больше из собственных традиций, хотя черпали свои формы и принципы в великом античном искусстве Греции, Рима, в архитектуре эпохи Возрождения и русско-французского классицизма XVIII-XIX веков.

Чем отличается неоклассика от классицизма

Важно отметить, что русский неоклассицизм, основываясь на старом, добром классицизме, всё-таки во многом отличается от него.

Новые классики часто смешивали образы, сюжеты и мотивы античности и Ренессанса, стремились выразительно подчеркнуть классические формы и детали или, напротив, резко сократить их.

Даже материалы использовались иные: естественный камень, а не белые отштукатуренные колонны.

Неоклассицисты опирались на ордерную систему, соблюдали пропорции, стремились к уюту и гармонии. Украшали здания фронтонами, листьями, раковинами, античными фигурами.

Однако интерпретация античных мотивов была несколько иная: это был не идеал, а условный код, через который воспринимался и отражался реальный мир. Зачастую решения неоклассиков называли античной реминисценцией.

Главные отличительные особенности архитектуры неоклассицизма:

Кризис модерна: отличия от классического

Как уже было сказано, в конце XIX века в Европе и России сформировался абсолютно новаторский стиль, называемый модерном. Его отличали такие особенности, как:

• отказ от прямых линий и углов;
• использование новых технологий и материалов (стекло, металл);
• сочетание эстетики и функциональности в архитектуре строений;
• акцент на интерьере;
• излишества в использовании конструктивных элементов: лестниц, дверей, балконов, столбов.

Однако новомодный стиль быстро надоел, да и разочаровал архитекторов. Ностальгия по старому, доброму, вечному вылилась в новое явление – неоклассицизм.

Ретроспективизм или сталинский ампир

В узком смысле ретроспективизм и есть неоклассицизм, в широком же – термин включает в себя ещё и русский стиль 1900-1917 веков.

Ретроспективисты опирались на образцы российского классицизма, итальянского Ренессанса (палладианство), ампира и частично позднего барокко.

Их стремление к полной реконструкции исторического стиля, старины не всегда оправдывалось. В сочетании с современными функционально-планировочными структурами здания приобретали больше модернистские черты, нежели классические.

Некоторые из неоклассиков (И. А. Фомин, И. В. Жолтовский, В. А. Щуко) позже станут ведущими специалистами сталинской архитектуры.

Новые взгляды на архитектуру

Цикл статей А. Бенуа о красоте старого Санкт-Петербурга вызвал незамедлительную реакцию со стороны современников. Художник словно открыл глаза архитекторам, показал незыблемость, вечность традиций классицизма. Неоклассицизм стремительно вошёл в обе столицы, а затем и в провинции. И хотя в Москве и Санкт-Петербурге этот стиль проявился наиболее ярко, в глубинке неоклассицизм задержался на более долгий период.

Главной идеей неоклассиков стала опора на традиции «золотого века» и возврат к корням русского зодчества того периода. Петербург возрождался, олицетворяя историческую причастность к общеевропейской культуре.

В последствии появился стиль конструктивизм. Он возник в начале прошлого столетия в рамках авангардистского направления искусства. Родиной его являлась советская Россия. Конструктивизм в архитектуре, направленный на максимальную эффективность и рационализм нового времени, позволил решить проблему не только транспортного обслуживания, но и оптимального расселения.

Интерьер

Для оформления интерьера в стиле неоклассицизма характерны пастельные тона: бежевый, коричневый, золотой, голубой.

Стены отделывались тканями на манер греко-римских драпировок или оклеивались обоями с классическим рисунком.

Для расширения пространства использовались зеркальные витражи, украшенные цветочными гирляндами. Шторы – из плотных шёлковых тканей с драпировками и жабо. Важные детали – полукруглый ламбрекен и резные карнизы. Убранство комнат изящное, благородное, без излишеств; главенствуют античные рельефные формы.

Напольное покрытие – истинное произведение искусства. Главным образом – это паркет редкостных пород дерева (дуб, палисандр, красное дерево). На потолке – лепнина, превращающая помещение в дворцовый зал.

В отличие от «старого» классицизма, мебель более изящна, нежных тонов, гармонирует с общим декором комнаты. Предметов мебели немного, чтобы не перегрузить общее пространство. Кресла, диваны, мини-столики, буфеты с фарфоровыми элементами, бюро-цилиндры и секретеры удобны и функциональны.

Для отделки мелких деталей (ручек, замков, скульптур) используется бронза; это гармонирует с позолоченными рамами картин и зеркал. Камины и большие скульптуры – из мрамора. Дополняют уют торшеры с абажурами из дорогих тканей и хрустальные люстры.

Подобный интерьер актуален и в наше время, особенно в старых постройках с высокими потолками и просторными помещениями, а также в особняках.

Искусство: представители стиля

Как и любое другое художественное направление, неоклассицизм охватил не только архитектуру, но и живопись, скульптуру, музыку и литературу. Античность завоёвывает в этот период внимание практически всего мира. Это возрождение породило развитие множества стилевых течений и форм.

Живопись

Художники с археологической точностью воссоздают не только греко-римские костюмы, но и декор древности, средневековья, а это маньеризм и модернизм в живописи. Однако именно Рим стал главным центром неоклассицистической реформы. Сюда стекаются живописцы из всего мира, чтобы по-новому взглянуть на творчество прошлого.

Неоклассицистическая живопись XVIII века приобретает академический характер. Юные художники проводят много времени в античных залах, делая наброски с греческих и римских статуй.

Среди европейских художников, работающих в этом русле, можно выделить имена немецкого художника Антона Рафаэля Менгса и французского живописца Давида.

Представители русского неоклассицизма в начале XX века были объединены общей идеей: противостоять надвигающемуся в стране хаосу и диссонансу в искусстве и жизни. Для них важно было возродить красоту, в поисках которой они и обращаются к античности. Серов, Петров-Водкин, Серебряков и другие художники, пользующиеся разными стилями, подходами к творчеству в сложный, переломный для России период, соединились в поиске гармонии.

Скульптура и декоративное искусство

Здесь также всё внимание обращено к античности. Скульптурные композиции, украшающие Версаль, Веймар, Петербург, сдержанны и спокойны.

Рациональность главенствует во всём: в застывшем движении, в идее и даже в расположении фигур.

В декоративном искусстве утверждение неоклассицизма было сопряжено с отрицанием орнаменталистики стиля рококо. Преобладают классические мотивы античности и строгая осевая симметрия как в Готике. Произведения из керамики и серебра становятся на пике моды.

Музыка

Неоклассицизм в музыке связан, прежде всего, с именем И. Ф. Стравинского, призывавшего вернуться «назад, к Баху». Музыканты стремились имитировать произведения раннего классицизма и позднего барокко, противопоставляя свой стиль музыке позднего романтизма, перегруженной эмоционально и технически.

Литература

В литературе неоклассицизм не проявил себя очень ярко. В основном направление коснулось украинской и русской поэзии. Однако крупных творческих индивидуальностей среди русских неоклассицистов замечено не было.

Деятели

Неоклассицизм в той или иной степени относится к таким мастерам, как:

• Адам Джон Нэш, Александр Томпсон (Англия); Лангханс (Германия), Жак Анж Габриель (спланировал «Площадь Согласия и «Малый Трианон» в Версале), Жан-Франсуа Шальгрен, Александр-Теодор Броньяр, Леду, (Франция), Андреян Захаров (Россия) – архитектура.
• Э. А. Бурдель, А. Майоль (Франция), К. Миллес (Швеция), А. Г. Вигеланн (Норвегия), А. Т. Матвеев, С. Т. Конёнков, С. Д. Меркуров (Россия) – скульптура.
• Ф. Ходлер (Швейцария), З. Е. Серебрякова, А. Е. Яковлев, К. Брюллов (России), П. Пюви де Шаванн, М. Дени (Франция) – живопись.
• М. П. Мусоргский, М. Равель – музыка.

Современные дизайн-проекты ванных комнат небольшого размера.

Интересные идеи применения черных обоев для стен в квартирах вы узнаете в этой статье.

Французский неоклассицизм и романтизм Жака-Луи Давида

Выводы

Итак, неоклассицизм, как эстетическое направление и стиль, продолжил традиции, начатые академическим классицизмом, но внёс в него больше лёгкости, изящности, а также новые формы и интерпретации. Оформить современный интерьер в светлых тонах в духе неоклассицизма можно и сейчас, в наше время. Ведь красота и изящество, благородство и традиции всегда остаются в моде. А дизайн гостиной фотообоями с иллюстрациями неоклассиков только поддержат дух тех времен.

АРХИТЕКТУРА, СКУЛЬПТУРА, МУЗЫКА, ЖИВОПИСЬ

Патриотический подъем в России начала XIX века, дальнейшее развитие капиталистического уклада вызвало небывалый рост градостроительства.

Классицизм в градостроительстве проявляется в творчестве Л.Н.Воронихина (1759-1814), А.Д.Захарова (1761-1811), Росси (1794-1881), К.Тона (1794-1881).

Наиболее выдающимися постройками А.Н.Воронихина, занимающими видное место в истории русской архитектуры и представляющими собой замечательные памятники мирового зодчества, являются Казанский собор и Горный институт в Петербурге. Казанский собор, созданный в 1801-1811 годах, непосредственно перед войной с Наполеоном, отражает в своем строгом, сдержанном и вместе с тем триумфальном облике идею мощи русского народа. Собор замечателен также своей скульптурой, к выполнению которой были привлечены такие известные мастера как И.П.Мартос, И.П.Прокофьев, С.С.Пименов. После войны 1812 года собор стал музеем русской славы. Здесь был погребен великий полководец М.И.Кутузов, помещены знамена, взятые в боях у наполеоновской армии.

Главное адмиралтейство, символ морской мощи России, построенное в Петербурге (1806-1823) архитектором А.Д.Захаровым, является выдающимся памятником русского ампира.

Архитектором К.И.Росси был построен Михайловский дворец — ныне Русский музей. Его огромной заслугой является завершение строительства центральных площадей Петербурга: Дворцовой и Петровской. Напротив Зимнего дворца он выстроил два грандиозных здания Главного штаба и министерств. Здания объединены в центре необычайно величественной монументальной аркой. Арку украшают колонны и скульптуры русских воинов. Он проектирует и строит Александровский театр, здание Публичной библиотеки. Ансамбли Росси знаменуют одну из вершин русского градостроительного искусства и архитектуры XIX века.

В 30-е годы были поставлены превосходные памятники Кутузову и Барклаю-де-Толли (работы скульптора Орловского), Минину и Пожарскому на Красной площади в Москве (скульптор-монументалист Мартос).

В Москве стиль русского ампира имел некоторую особенность: более мягкий, интимный характер, что свойственно зданиям и ансамблям, созданным О.И.Бове и Д.И.Жилярди.

Бове была реконструирована Красная площадь с Торговыми рядами, создана Театральная площадь с Большим театром, манеж. Большой театр (Петровский) — выдающийся по красоте и внутреннему устройству памятник русского ампира и по сути дела представляет собой вместе с Красной площадью визитную карточку современной Москвы. По его проекту разбит Александровский сад, устроен грот, фонтан и спуск у Троицких ворот.

В архитектуре проявляется «русско-византийский стиль», создателем которого был К.А.Тон (1794-1881). Тон — автор проектов Храма Христа Спасителя, Большого Кремлевского дворца, Оружейной палаты.

В первой половине XIX века Россия дала мировому искусству замечательных гениев в области музыкального искусства и, прежде всего, музыкальный гений России связан с именем М.И.Глинки (1804-1857). Он родился в Смоленской губернии, в связи с военными событиями 1812 года семья уехала из родового имения. Детские впечатления Отечественной войны, рассказы матери, местных жителей о героизме народа сыграли большую роль в создании образа великого патриота Родины — Ивана Сусанина. Глинка начал работать над оперой «Иван Сусанин» в 1834 году (первоначальное ее название. «Жизнь за царя»). Премьера постановки оперы состоялось в Петербурге 27 ноября 1836 года. Пушкин, Гоголь, Белинский, Одоевский сразу оценили глубокую историческую и художественную ценность гениального глинкинского произведения. Одоевский писал «С оперы Глинки начинается в истории Европы период русской музыки». Такое произведение есть дело не только таланта, но и гения». В 1837 году проявляется вторая опера — «Руслан и Людмила». Он пишет целый ряд «пушкинских» романсов: «Я помню чудное мгновенье», «В крови горит огонь желанья» и т.д. В 1844 году он уехал в Париж, дал несколько блестящих концертов, устанавливает дружбу с Берлиозом. Пробыл два года в Испании, где написал знаменитую «Арагонскую хоту». Это блестящее каприччио на тему арагонской хоты, в основу которого положена мелодия испанского танца.

Глинка — первый русский композитор, поднявший русскую музыку до уровня величайших достижений национальной культуры, утвердивший ее ведущую мировую роль. Он положил начало классическому периоду русской музыки. В 1847 году Глинка пишет гениальные фантазии на темы двух русских песен, свадебной и плясовой, называемой обычно «Камаринской». К числу лучших вокальных сочинений относится вокальное сочинение на слова Пушкина «Не пой, красавица, при мне. ». Неизменно присуще музыке Глинки — ясность, стройность, уравновешенность. Но форма не имеет самодовлеющего значения, она всегда органически слита с внутренней сущностью художественного образа. Глинка считал мелодию главным, ведущим началом музыки, которому должны быть подчинены, все остальные средства музыкальной выразительности.

Наряду с принципами реализма и народности в творчестве А.С.Даргомыжского (1813-1869) на первом плане — социальная и драматическая напряженность (опера «Русалки»). Даргомыжский вносит в музыку новое средство музыкальной выразительности, — мелодичный речитатив (опера «Каменный гость»). Этот прием исполнения пения оказал большое влияние на дальнейшее развитие русской классической оперы.

Наиболее ярким представителем классицизма в живописи России первой половины XIX века был К.П.Брюллов (1799-1852). Выпускник Петербургской академии художеств, Брюллов более 10 лет прожил в Италии как стипендиат академии.

Итальянский период жизни Брюллова был очень плодотворным и закончился подлинным триумфом. В 1832 году он написал знаменитую «Всадницу», грациозно сидящую на великоленном скакуне. Эта блестящая картина сразу поставила Брюллова в ряд крупнейших живописцев Европы. В 1833 году он создает монументальное полотно «Последний день Помпеи». Это было триумфальное рождение славы Брюллова. Десятки тысяч римлян и жителей других городов Италии приходили в мастерскую полюбоваться шедевром. Великий английский писатель Вальтер Скотт, рассматривая «Последний день Помпеи», сказал с восторгом: «Это не картина, это целая поэма». Полотно привезли в Милан. И снова, как и в Риме, в залах Милана с утра до вечера теснились толпы любителей живописи. Картина неторопливо шествовала по Европе и, побывав в Париже, летом 1834 года была привезена в Россию. Для современников ее появление было настоящим событием. Восторженное отношение к Брюллову разделяло все передовое русское общество. Впервые произведение искусства вызвало столь широкие отклики и живой общественный интерес. Гениальным художником и первым живописцем Европы называл Брюллова Белинский.

Брюллов — величайший мастер портретной живописи. Портреты Брюллова — это живые люди, воссозданные и закрепленные художником с непревзойденным мастерством, во всем многообразии их характеров. Наиболее известные портреты — светской красавицы графини Ю.П.Самойловой, княгини Е.П.Салтыковой, скульптора И.П.Витали, поэта А.К.Толстого. Вершиной портретной живописи является автопортрет (1848).

Рождение бытового жанра связано с творчеством А.Г.Венецианова (1780-1847). Его картины 20-х годов («На пашне. Весна», «На жатве. Лето», «Захарка» и др.) изображали повседневную жизнь крестьян, их человеческое достоинство и красоту труда. Венецианова называли «отцом» русского жанра, он создал свою школу в русской живописи, которая стала значительным явлением в культуре 20-х – 40-х годов.

Родоначальником критического реализма в русском изобразительном искусстве был П.А.Федотов (1815-1852). Его картины «Сватовство майора», «Свежий кавалер», «Разборчивая невеста» сначала в Петербурге, а затем в Москве имели огромный успех. Всенародное признание картин, присвоение звания академика — это наиболее светлые страницы его биографии.

А.А.Иванов (1806-1858) — один из величайших русских художников XIX века, в творчестве которого гармонично соединились прогрессивные гуманистические идеи и философское религиозно-нравственное начало. Перечитывая евангелие, Иванов нашел сюжет, до него никем из художников не бравшийся: первое появление Мессии (Христа) перед народом, ожидающим свершения своих надежд, предсказанных Иоанном Крестителем. Нахождение этой темы определило все дальнейшее течение его творческой жизни, — работа над картиной продолжалась более 20 лет. Нравственное совершенствование человека — вот глазное содержание картины «Явление Христа народу». Она очень скоро сделалась тем, к чему более всего предназначал ее сам художник — «школой для молодых живописцев русских». Чистяков, Крамской, Ге, Репин, Суриков, Врубель испытали благотворное влияние этого великого творения Иванова.

Дата добавления: 2016-02-13 ; просмотров: 1837 ; ЗАКАЗАТЬ НАПИСАНИЕ РАБОТЫ